Description
Denis Brihat a coutume de dire que la photographie a été son université : « C’est en photographiant que je suis devenu photographe ». Son parcours l’entraîne d’abord de la photographie industrielle au reportage et à l’illustration. Cette première partie de son œuvre est couronnée par le prix Niépce obtenu en 1957 après un voyage d’un an en Inde qui va marquer sa vie. L’année suivante, lassé par la vie parisienne, il décide de s’installer à Bonnieux, en Provence, sur le plateau des Claparèdes. Dans des conditions matérielles spartiates, c’est là qu’il crée ses premiers tableaux photographiques en noir et blanc, destinés au mur.
La nature va s’épanouir dans tout son univers de création : paysages, micro-paysages in situ (pissenlits, herbes folles, chardons) ou bien objets de nature photographiés dans l’atelier (fleurs, fruits, légumes). Les coquelicots, les tulipes noires, les oignons ou les kiwis occuperont Denis Brihat pendant de longues années.
En noir et blanc ou colorées par des procédés de virages qu’il affine au fil des ans, ses images pleines de poésie ne doivent pas être considérées comme des illustrations ou des planches naturalistes, mais comme de véritables œuvres d’art qui s’offrent à la contemplation. Denis Brihat révèle un monde invisible, un microcosme mystérieux aux trésors esthétiques infinis.
La carrière de Denis Brihat est aujourd’hui internationale. Ses photographies ont été exposées à travers le monde, du MoMA ( New York) au Victoria & Albert Museum (Londres), du Musée de l’Élysée (Lausanne) au Palais de Tokyo (Paris). Elles figurent dans les plus grandes collections publiques et privées.
Cette monographie – première du genre pour cet artiste – retrace le parcours d’une œuvre singulière qui s’inscrit dans l’histoire de la photographie contemporaine.
Extraits des textes
Il serait temps de reconnaître à Denis Brihat la place qui lui est due. Ils sont peu nombreux ceux qui ont su discerner en lui un photographe singulier. Pour ceux, dont je fais partie, trop longtemps restés au bord de l’œuvre, il est grand temps de faire amende honorable et de s’interroger sur les causes de cette mésestime.Le désintérêt porté à une vie consacrée à la création est, entre autres, la conséquence directe de l’état de la critique photographique française dans les années 1970.
Avec son ami Jean-Pierre Sudre, en s’écartant des chemins de la reconnaissance, en choisissant le Luberon, il a pris sciemment le risque de l’oubli. Ce livre – c’est son grand mérite – propose de remettre en face de nous un corpus éclatant, évident d’intelligence et de beauté.
François Cheval, conservateur en chef du musée Nicéphore Niépce, commissaire d’exposition
Il est difficile d’écrire sur le travail de Denis Brihat sans parler aussi de sa vie : son œuvre est en effet le résultat d’un choix d’existence, d’un engagement constant pour la photographie. C’est certainement une attitude que l’on rencontre plus couramment en peinture : l’artiste tout entier consacré à sa création, véritable raison de vivre et obsession de chaque jour, est une image qui traverse l’histoire de l’art. Elle est plus rare en photographie, mais prend tout son sens en ce qui concerne Brihat.
Didier Brousse, fondateur et directeur de la galerie Camera Obscura, Paris
Denis Brihat, Monograph Retrospective
This work is a unique travelogue of the work of the great photographer Denis Brihat. From his Niépce Prizewinning travel photos through India, to his stills of flowers, fruit and vegetables that have cemented his reputation worldwide, Denis Brihat’s B&W and chemically coloured work is part of the amazing history of contemporary photography.
Les auteurs
Denis Brihat
Denis Brihat est né le 16 septembre 1928, à Paris. Après un bref passage à l’école de photographie de la rue de Vaugirard, il poursuit son apprentissage sur le terrain, aux côtés de Robert Doisneau, Willy Ronis et Edouard Boubat. Il pratique un temps la photographie de reportage et d’illustration, avec essentiellement un travail réalisé en Inde, récompensé par le prix Niépce en 1957.
Lassé par la vie parisienne, en quête d’un autre mode de vie, il s’installe en 1958 à Bonnieux en Provence, où il réside encore, pour se consacrer à sa recherche sur le thème de la nature sous la forme de ce qu’il va appeler des « tableaux photographiques ». Dès 1968, il introduit la couleur dans ses images d’une manière toute personnelle : il met au point une palette de couleurs à partir de procédés nommés « virages métalliques ». Il utilise par ailleurs la technique délicate du grignotage, une gravure chimique du tirage. Il ne cessera d’explorer et de perfectionner ces procédés tout au long de sa carrière.
Ses photographies ont été exposées à travers le monde, et particulièrement au MoMA à New York, au musée Nicéphore-Niépce à Chalon-sur-Saône, à la galerie du Château d’Eau à Toulouse, au Palais de Tokyo à Paris, au Musée de l’Elysée à Lausanne… De nombreuses institutions en France et à l’étranger collectionnent ses photographies, dont le Center for Creative Photography en Arizona et la Maison européenne de la photographie [MEP] à Paris.
François Cheval
François Cheval est né en 1954. Formé à l’histoire et à l’ethnologie, il a été de 1996 à 2017 le conservateur du musée Nicéphore-Niépce à Chalon-sur-Saône, où il a entrepris de débarrasser la photographie de ses présupposés et de présenter l’originalité du « photographique » à travers une muséographie et un discours renouvelés.
Il est à l’origine d’expositions et de rétrospectives remarquées (Charles Fréger, Antoine d’Agata, Stanley Greene, Bruno Boudjelal, Peter Knapp, Saul Leiter, Erwin Blumenfeld, Denis Roche, John Batho, Peter Knapp, Mac Adams, Raoul Coutard…) et défend une jeune photographie exigeante (Elina Brotherus, Raphaël Dallaporta, JH Engström, Claire Chevrier…).
Commissaire de plus de cent expositions, François Cheval s’attache à remettre en cause dans chacune d’elles les certitudes de l’histoire de la photographie, en créant des moments de découverte, de plaisir, d’interrogation et de surprise.
Sollicité pour des projets d’envergure à l’échelle internationale, il est depuis décembre 2017 le directeur, avec Duan Yuting, du musée de Lianzhou, le premier musée de photographie contemporaine en Chine. Il rédige de nombreux textes sur la photographie qui font de lui une référence dans le champ critique. Au Bec en l’air il a contribué aux livres Maalesh, Le Même soleil, The Narrative Void, Ce qu’on n’a pas fini d’aimer, Memory of trees, Monumentalbum, Algérie, clos comme on ferme un livre ? et Le Destin tragique d’Odette Léger et de son mari Robert.
Pierre-Jean Amar
Né en 1947, initié à la photographie et au tirage dès 1962, proche de Willy Ronis dont il possède l’une des plus belles collections, Pierre-Jean Amar a consacré son travail aux grands thèmes classiques que sont le portrait, le paysage, les recherches formelles ou le nu féminin. Il a réalisé plus de 150 expositions en France et à l’étranger et ses photographies figurent dans de nombreuses collections publiques et privées. Parallèlement à son activité de photographe-créateur, Pierre-Jean Amar est un spécialiste reconnu de l’histoire de la photographie sur laquelle il a publié plusieurs livres dont un « Que sais-je ? » [PUF, 1999] et un ABCdaire de la photographie [Flammarion, 2003]. Il assure également le commissariat d’expositions prestigieuses comme celles de Denis Brihat, Joan Fontcuberta, Marc Riboud et Willy Ronis, entre autres.
